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sábado, 7 de marzo de 2026

Elis & Tom


 

Por Oscar Fernández Herrera

 

La música llegó a mí gracias a mis padres y, especialmente, a mi hermano, quien siempre me ha animado a escrutar las grandes obras de los maestros contemporáneos. Desde entonces, mi hábito de escuchar más y más canciones ha prosperado tanto que siempre hay descubrimientos asombrosos. Por otra parte, mi fascinación por la cultura brasileña se adhirió con una naturalidad increíble, casi mágica. En algún momento, ambos elementos se agruparon para darle sentido a mi humilde presencia.

 

Antônio Carlos Jobim fue uno de los fundadores de la Bossa Nova y un gran compositor del siglo XX, creador de obras clásicas como “Garota De Ipanema”. Fue un artista categórico en la internacionalización de la música carioca. Elis Regina, por otra parte, fue una de las solistas más influyentes de la música popular brasileña, conocida por su gran talento y sus impactantes interpretaciones, lo que la consolidó como referente del arte y la cultura brasileros.

 

“Elis & Tom” fue un álbum de Elis Regina y Antônio Carlos Jobim, grabado del 22 de febrero al 9 de marzo de 1974 en los estudios MGM de Los Ángeles. Fue lanzado ese mismo año por Philips Records como celebración del décimo aniversario de la colaboración de Regina con el sello. El álbum original contiene 14 temas, compuestos por Jobim, con letras de Chico Buarque, Vinícius de Moraes y Aloysio de Oliveira, e interpretados por músicos como César Camargo Mariano, Hélio Delmiro, Luizão Maia y Paulo Braga.

 

Desde una perspectiva artística, este disco se consideró una de las colaboraciones más destacadas en la historia de la música brasileña. Combinó a la perfección la característica voz de Regina con las exquisitas armonías y melodías de Jobim, pues abarcó diversos estilos musicales, como la bossa nova, la samba jazz y hasta el pop. Temas como “Águas De Março”, “Chovendo Na Roseira”, “Brigas Nunca Mais”, “Só Tinha De Ser Com Você” y “Corcovado” son particularmente sobresalientes, con voces entrelazadas, arreglos elegantes y una exploración de las diversas texturas del jazz y el pop. Tanto la crítica como el público lo consideraron un clásico (a menudo incluido entre los mejores álbumes brasileros) y ha recibido múltiples elogios.

 

En términos comerciales, si bien sus ventas iniciales no fueron tan impresionantes como las de otras obras populares de la época, “Elis & Tom” ha sido reeditado y remasterizado muchas veces, lo que lo transformó en un clásico y en una obra de referencia en la música actual.

 

“Águas De Março”, escrita por Jobim en 1972, es una de las obras más representativas de la Bossa Nova. La letra habla de una serie de imágenes cortas que representan elementos de la naturaleza y la vida cotidiana, rememorando las lluvias torrenciales de marzo en Brasil, que marcan el final del verano. A través de esta enumeración poética, la canción transmite los conceptos de ciclo, cambio y renacimiento. Es una melodía inmortal.

 

Pero mi gran favorita es “Chovendo Na Roseira”, compuesta también por Jobim a finales de la década de 1960. Esta canción reflejó su profundo interés por los paisajes y sonidos naturales. La letra describe la apacible escena de la lluvia cayendo sobre los rosales y sus alrededores, utilizando delicadas imágenes de flores, brisas y agua fluyendo para crear una atmósfera contemplativa. Una belleza.

 

Sin duda, “Elis & Tom” es un disco que marca a quien lo escucha con interés y curiosidad.

Trainspotting


 

Por Edgar Fernández Herrera

 

Elige La Vida

 

 

 

El pasado 23 de febrero, pero de hace 30 años, se estrenó una de las películas más importantes y todo un referente cultural, producida por el británico Danny Boyle y protagonizada por Ewan McGregor; nos referimos a Trainspotting.

 

Por eso en “Escombros Cósmicos” daremos unas curiosidades sobre esta importante película:

 

• La película adapta la novela Trainspotting (1993) de Irvine Welsh. El libro no es una historia lineal tradicional, sino una serie de relatos interconectados. El guionista John Hodge reorganizó ese material para darle estructura cinematográfica.

 

• El autor Irvine Welsh hace un cameo como Mikey Forrester, el dealer de Renton.

 

• “Trainspotting” hace referencia al pasatiempo de observar y anotar números de trenes; el escritor Irvine Welsh lo usó como una metáfora. Representa cualquier hobby obsesivo y aparentemente sin sentido, como la búsqueda del próximo “viaje” de la heroína, que consume la vida de los personajes.

 

• El icónico discurso de apertura “Choose Life” no aparece en la novela. Fue una decisión creativa para la película y terminó convirtiéndose en una de las aperturas más memorables del cine, no solamente de los 90, sino de todos los tiempos. Aquí hay un debate, pues mientras unos dicen que es un tributo y referencia al video de “Sabotage” de los Beastie Boys, otros dicen que es para “Bankrobber” de The Clash.

 

• Lo que se ve dentro de la famosa escena del inodoro, donde Renton entra y sale, es en realidad chocolate.

 

• Para el final de la película se había considerado otra escena: una donde Renton caminaba por Londres después de haber traicionado a sus amigos y un coche lo atropella. Este era el final original; sin embargo, se decidió el final más luminoso que todos conocemos: nuestro protagonista caminando hacia el horizonte al ritmo de “Born Slippy” de Underworld.

 

Trainspotting, desde su estreno en ese lejano 1996, ha sido relacionada como una película sobre drogas, y me parece que es una visión muy poca y hasta limitante. Es verdad que una de las grandes protagonistas son los excesos, pero al verla de manera muy atenta nos daremos cuenta de que es el retrato de una generación que estaba incrédula sobre el futuro que se le estaba ofreciendo: un total desencanto, cuya única vía de escape era la heroína, con todo y sus consecuencias. Es brutal la escena donde Renton (McGregor) trata de una manera desesperada de limpiar su cuerpo.

 

Por eso la película sigue siendo un éxito aun a 30 años: las generaciones posteriores a la de los 90 siguen teniendo, y tendrán, el desencanto de su época y de su futuro.

 

Si la película fue un rotundo éxito, aparte de la gran historia también se le debe a su soundtrack. Es majestuoso, y la inclusión de canciones como “Lust for Life” de Iggy Pop (quizás el yonqui más famoso en la historia del rock) en esa introducción es simplemente genial. Y no olvidemos la escena asquerosa pero brutal de Renton cuando se sumerge en un inodoro para rescatar su droga que tiró accidentalmente, todo al ritmo de “Perfect Day” de Lou Reed (otro yonqui de mil revoluciones) y, definitivamente, la canción que ayudó a la película a convertirse en un fenómeno cultural: la increíble “Born Slippy NUXx” de Underworld.

 

Me sorprendería mucho saber de gente que no conozca este filme, pero si hubiera algunos lectores que desconocen esta gran película, yo recomendaría que, al terminar de leer este escrito, se pongan a buscar y ver Trainspotting, y se darán cuenta de por qué es considerada una de las grandes películas de todos los tiempos.

lunes, 2 de marzo de 2026

What Time Is It?


 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

 

The Time fue una banda de funk formada por Prince a principios de los ochenta, inicialmente como un proyecto paralelo. Combinó ritmos enérgicos, una actitud provocadora y una estética refinada, propia del llamado “sonido Minneapolis”. Liderada por el carismático Morris Day, la banda se distinguió por su vibrante presencia escénica y éxitos como “Jungle Love” y “The Bird”, convirtiéndose en una parte integral del mundo creativo del geniecillo púrpura.

 

“What Time Is It?” es el segundo álbum de estudio de la banda. Se lanzó oficialmente en agosto de 1982 y fue escrito, grabado y producido en gran parte por Prince, sin aportes significativos de los miembros de The Time, con excepción de Morris Day. El disco, grabado en dos sesiones, presenta esencialmente a Day en la voz y a Prince en los coros y en todos los instrumentos.

 

“777 – 9311” fue el primero de los tres sencillos que “What Time Is It?” generó. “The Walk” y “Gigolos Get Lonely Too” finalizaron su ciclo promocional, aunque la banda siguió presentándose como uno de los actos de apertura de Prince en la gira de “1999”. Pese a su escasa promoción, el álbum logró su certificación oro el mismo año de su presentación.

 

La obra destacó por su mezcla de grooves densos, largos jams instrumentales y la personalidad carismática de Morris Day al frente, todo ello acompañado de la producción y escritura de Prince bajo su alias “The Starr Company.

 

El último tema de “What Time Is It?”, “I Don't Wanna Leave You”, es una increíble balada funk de seis minutos y medio que contrastó marcadamente con las animadas canciones del resto del álbum. En la canción, Day canta desde una perspectiva masculina vulnerable, reconociendo su reputación de playboy, a la vez que admite su apego a una relación y expresa su reticencia a abandonarla. La canción muestra el típico sonido de Minneapolis en su ritmo y arreglos. Si bien no fue un sencillo, recibió muchísimos elogios por su pegadizo estribillo y su hermosa melodía, que destacan en este álbum predominantemente relajante y ofrecen una conclusión más introspectiva y emotiva a la colección. Mi favorita, sin lugar a dudas.

 

Como dato curioso, otras pistas que se grabaron para este disco fueron “Jerk Out”, “International Lover”, “Bold Generation” y Colleen”, aunque no llegaron a la versión final.

Peace And Love


 

Por Edgar Fernández Herrera

 

 

 

Queridos lectores, hoy quiero dar a conocer y darle el valor justo a una de las bandas mexicanas de rock que fueron revolucionarias y que, por desgracia, muy poca gente conoce. A finales de los sesenta y principios de los setenta, era una agrupación sólida y con una reputación muy respetable; tan es así que fueron grandes protagonistas del Festival de Avándaro en 1971.

 

Lejos, pero muy lejos, del rock simplón y hasta tonto de agrupaciones como los Teen Tops, Los Rockin Devils, Hooligans, etc., esta banda de Tijuana venía con un groove de jazz, combinado con una pizca de ácido y psicodelia que le darían un sonido único y que los destacaba de las demás agrupaciones. Su sección de metales era extraordinaria, emparentada con el primer Chicago y con Blood, Sweat & Tears.

 

Peace and Love es un proyecto nacido en la ciudad fronteriza de Tijuana, Baja California, encabezado por los hermanos Ochoa: Ricardo y Ramón. El resto de la agrupación estaba conformado por Felipe Maldonado, Ricardo Ochoa, Juan José Ruiz, Ramón Torres, Eustacio Cosme, José Cuevas, Salomón Elías y Fernando Rivera; juntos crearon verdaderos himnos como “Marihuana”, “Peace and Love” o la sensacional “Sentimiento Latino”, que los jóvenes jipitecas de la época cantaron.

 

Por desgracia, después de Avándaro, la censura y la represión del gobierno ocasionaron un declive en el rock mexicano, y Peace and Love no sería ajeno a esto; ello provocó la desintegración de la banda.

 

El disco que tengo de ellos, llamado “Avándaro/1971”, es una reedición que, a diferencia del original publicado en 1970 por el legendario sello discográfico Cisne Raff, tiene otro orden en las canciones y además incluye como adicional el temazo “Marihuana”. Está de más decir que el elepé original es un verdadero santo grial del rock mexicano y muy difícil de conseguir.

 

La propuesta de la banda es acorde a los tiempos en los que estuvo presente: dignos representantes de la “Onda Chicana”. Sin embargo, a pesar de los años, tiene una propuesta más original y mucho mejor que cualquier banda actual de la escena.

 

Acérquense a “Peace and Love”; les aseguro que lo disfrutarán y conocerán parte de la historia del rock mexicano.

Tired Of Toein' The Line


 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

La música siempre sonó en casa gracias a mis padres. Nunca hubo una distinción con relación a los géneros musicales. Casi todo se reprodujo en el arcaico tocadiscos familiar. Con la llegada de los casetes caseros, mi padre comenzó una asombrosa colección de éxitos variados, en los que se hallaban temas disco, rock, reggae, country y hasta de crítica social. Fue así que escuché el gran éxito de Rocky Burnette.

 

“Tired Of Toein' The Line” es una canción interpretada por Burnette, coescrita con Ronald Coleman, exbajista de los Brothers Grim y Everly Brothers. Se trata de una mezcla de rock and roll, con elementos de country rock, new wave y otros géneros. Enérgica y pegadiza, fue una representación por excelencia del resurgimiento del country rock de finales de los 70 y principios de los 80. Se publicó por primera vez en “The Son Of Rock & Roll”, de 1979, y se lanzó como sencillo en el Reino Unido en 1979 y en Estados Unidos en mayo de 1980. La pista gira en torno al deseo de liberarse de las restricciones, las normas convencionales y las expectativas, lo que reflejó la frustración y el anhelo de independencia de su intérprete.

 

La canción se convirtió en la canción más popular de Rocky Burnett y su único sencillo de éxito internacional. Entró en la lista oficial de sencillos del Reino Unido en 1979 y ascendió constantemente a lo largo de 1980, cuando alcanzó finalmente el número ocho en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos. También encabezó las listas en países como Australia y Argentina, y consiguió un éxito respetable en Canadá, Nueva Zelanda y Sudáfrica. Este éxito rivalizó con el de "You're Sixteen" de su padre, Johnny Burnett, en las mismas listas, lo que consolidó aún más la influencia de la canción en la familia Burnett.

sábado, 14 de febrero de 2026

Me No Pop I


 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

 

Coati Mundi es el nombre artístico del músico y productor estadounidense Andy Hernandez, oriundo de la ciudad de Nueva York. Percusionista y vibráfono, formó parte de bandas como Dr. Buzzard’s Original Savannah Band y Kid Creole & The Coconuts, con las que saltó a la fama en la década de los ochenta. Como solista, su canción “Me No Pop I” se convirtió en un éxito en el Reino Unido. También trabajó como arreglista y compositor, y ocasionalmente hizo cameos en películas como “Who’s That Girl” y algunas de Spike Lee.

 

La canción “Me No Pop I” se lanzó como sencillo en 1981 y se convirtió en un éxito en numerosos mercados europeos. Este fue uno de los pocos éxitos en solitario de Andy Hernandez, fuera de sus colaboraciones con Kid Creole & The Coconuts. El sencillo se lanzó como doble cara A, titulado “Que Pasa/Me No Pop I”, y ambas canciones aparecían en la misma cara de un disco de 12 pulgadas, un formato común en la época, diseñado para maximizar la reproducción de una canción en clubes y en la radio.

 

La rolita en cuestión, fue un afortunado descubrimiento gracias a Kid Creole & The Coconuts y a The Time, bandas que escuchaba gracias a Prince, y que compartían una estética muy similar a la de Coati Mundi. “Que Pasa/Me No Pop I” es una miscelánea de funk, disco y ritmos latinos con una estética new wave propia de la escena neoyorquina de finales de los setenta y comienzos de los ochenta.

 

La canción presentó una base rítmica marcada, con un uso destacado de percusión y metales, y una interpretación vocal con acento caribeño que acentuó su carácter festivo y teatral. La letra, con frases en inglés y español, apeló a un tono irónico y bailable que conectó con el público europeo, donde alcanzó éxito en listas. El sonido reflejó la influencia del universo musical de Kid Creole & The Coconuts, con arreglos elaborados y espíritu tropical urbano.

 

Por otra parte, Coati Mundi llamó muchísimo la atención porque siempre proyectó una imagen extravagante y elegante, con trajes llamativos, colores intensos y accesorios que apelaron al estilo zoot suit y la estética retro tropical asociada al movimiento de Kid Creole. Una rola súper rítmica y bailable. 

Finalmente Ho Conosciuto Il Conte Dracula...


 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

 

Mina Mazzini, comúnmente conocida como Mina, es una de las cantantes más influyentes y singulares de la música italiana contemporánea. Dotada de un extraordinario registro vocal y una excepcional libertad interpretativa, revolucionó la música popular mediterránea con su exquisita técnica, su audaz estilo vocal y su fuerte personalidad artística. Su retiro de los escenarios en 1978 no solo consolidó su estatus de leyenda, sino que tampoco disminuyó su influencia cultural.

 

“Ho Conosciuto Il Conte Dracula…” es un álbum extraordinario y audaz en su carrera. Presentado como un trabajo conceptual, es satírico y dramático. Repleto de sonidos experimentales y narrativas oscuras que evocaron musicales y sátiras, “Ho Conosciuto…” presentó a Mina desde una perspectiva lúdica y provocadora, dispuesta a contradecir las tradiciones de la música popular italiana de la época.

 

Seccionado en dos partes tremendamente admirables: clásicos y temas originales, Gino Castaldo, periodista de La Repubblica, destacó que Mina es “una prodigiosa intérprete de los clásicos” y señaló su capacidad para “transformar incluso canciones mediocres en pequeñas obras maestras”. Por otra parte, la revista Panorama lo incluyó entre los diez discos esenciales de la Tigresa de Cremona.

 

Con los clásicos, entre los que se encuentran “My Sharona”, “Eloise”, “You’re So Vain”, “Killing Me Softly With His Song”, “How Deep Is Your Love”, “If You Leave Me Now”, y “Just The Way You Are”, Mina jugó con mucha libertad e imprevisibilidad, recreándolos a su manera. Los temas originales sugirieron la coherencia artística del álbum.

 

El sencillo “Questione Di Feeling”, un dueto con Riccardo Cocciante, también fue un éxito, pues alcanzó el segundo puesto en las listas italianas y se utilizó como tema del programa de televisión “Pentatlon”. El tema lo regrabó muchos años después con Tiziano Ferro para el disco “Todavía”, una colección de temas en español.

 

Con relación a la portada del disco, un artículo especializado afirmó en su momento que la frase del título y la ambientación fotográfica se inspiraron directamente en la novela “Drácula”, de Bram Stoker, donde uno de los personajes femeninos principales es Mina Murray.

 

Un álbum indispensable en cualquier colección de música que se precie de respetable.

Elis & Tom

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