Hit Parade

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

La última carta de presentación de Róisín Murphy, la heroína irlandesa que antes conocimos como integrante de la banda Moloko, es una insólita miscelánea de sonidos pícaros y graciosamente delicados, con clarísimos guiños a Bowie y Grace Jones. A pesar de su habilidad para conectar con el público LGBTIQ+, unas declaraciones filtradas en sus redes sociales han enrarecido el lanzamiento de “Hit Parade”, una obra que se perfila como un auténtico logro de la música electrónica.

 

Se trata de un álbum que fácilmente deambula entre el house y el funk, regalándonos temas cargados de perfección y originalidad. Los aportes del productor DJ Koze son, sin más, sobresalientes. “CooCool”, el primer sencillo, es una rola sobre el amor muy próxima al downtempo y al neo soul; “The Universe” fantasea con relación a los sinsentidos de la vida. “Fader” es otra tremendísima joya con sus sonidos a la trip hop. “Free Will” es una de las maravillas del disco gracias a su ritmo comparable con los grandes himnos del italo – disco. Por último, en “You Knew” escuchamos a Murphy hablarse a sí misma de sus aciertos y errores durante siete minutos cargados de poderosísimo house.

 

La estructura sonora de “Hit Parade” es tan importante como su apuesta por un sonido que eche un vistazo al futuro, pues se baña en las nostálgicas aguas del soul sesentero para orientarlo a las pistas de baile contemporáneas.

 

Esta bomba tecnicolor posee más bondades que ineficacias, aunque los interludios y “Two Ways” y “Eureka”, las dos últimas dos pistas, son un tanto insignificantes.

 

Es una pena que “Hit Parade” haya sido afectado por la polémica porque es probable que éste sea su mejor trabajo hasta la fecha. Escúchelo y sorpréndase enormemente.

Cien películas que hay que ver sí o sí

 

Por Edgar Fernández Herrera

 

A Mónica, para iniciar el maratón de cine 

Estas son cien películas que, a mi modo de ver, se tienen que ver por lo menos una vez en la vida. Hago una aclaración: este listado se basa en mi pobre conocimiento sobre el cine y mis gustos, puede que deje algunas fuera y ustedes crean que son imprescindibles; aun así, las considero esenciales y dignas de verse. Otra aclaración que hay que tener en cuenta es que, a excepción de los dos primeros lugares, no hay ningún orden en especial. Bueno, dejémonos de rodeo y pasemos a la lista:

 

1.     七人の侍 (Los 7 Samuráis) (Akira Kurosawa, 1954)

2.     Il buono, il brutto, il cattivo (El Bueno, el Malo y el Feo) (Sergio Leone, 1966)

3.     Naranja Mecánica (Stanley Kubrick, 1971)

4.     La Vida de Brian (Terry Jones, 1979)

5.     Cantando Bajo La Lluvia (Gene Kelly y Stanley Donen, 1952)

6.     Los Cazadores Del Arca Perdida. (Steven Spielberg, 1981)

7.     El Rey del Barrio. (Gilberto Martínez Solares, 1950)

8.     Buenos Muchachos. (Martin Scorsese, 1990)

9.     Psicosis. (Alfred Hitchcock, 1960)

10. Los Caifanes. (Juan Ibáñez, 1967)

11. Hasta el Viento Tiene Miedo. (Carlos Enrique Taboada, 1968)

12. La Noche de los Muertos Vivientes. (George A. Romero, 1968)

13. 千と千尋の神隠し (El Viaje de Chihiro) (Hayao Miyazaki, 2001)

14. Rojo Amanecer. (Jorge Fons, 1989)

15. Caracortada. (Brian De Palma, 1984)

16. Trainspotting. (Danny Boyle, 1996)

17. Zoo Suit. Luis Valdez, 1981)

18. Macario (Roberto Gavaldón, 1960)

19.Volver al Futuro III. (Robert Zemeckis, 1990)

20.Alien: El Octavo Pasajero. (Ridley Scott, 1979)

21. Beetlejuice. (Tim Burton, 1988)

22. Shaun of the Dead. (Edgar Wright, 2004)

23. 2001 odisea del Espacio. (Stanley Kubrick)

24. Los Hermanos del Hierro. (Ismael Rodríguez, 1961)

25. Rescatando al Soldado Ryan. (Steven Spielberg, 1998)

26. Virgin Suicides. (Sofia Coppola, 1999)

27. Los Cazafantasmas. (Ivan Reitman, 1984)

28. El Exorcista. (William Friedkin, 1973)

29. Volver al Futuro. (Robert Zemeckis, 1985)

30. La Pandilla Salvaje. (Sam Peckinpah, 1969)

31. Historia Americana X (Tony Kaye, 1998)

32. This Is England. (Shane Meadows, 2007)

33. El Pianista (Roman Polanski, 2002)

34. Sueños de Fuga. (Frank Darabont, 1994)

35. El Halcón Maltes. (John Huston, 1941)

36. La Dolce Vita. (Federico Fellini, 1960)

37. El Gran Dictador. (Charles Chaplin, 1940)

38. Expreso de Media Noche. (Alan Parker, 1978)

39. Los Olvidados. (Luis Buñuel, 1950)

40. Perros de Reserva. (Quentin Tarantino, 1992)

41. El Ciudadano Kane. (Orson Wells, 1940)

42. Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco. (Milos Forman, 1975)

43. Belleza Americana. (Sam Mendes, 1999)

44. El Libro de la Selva (Wolfgang Reitherman, 1967)

45. El Espinazo del Diablo. (Guillermo del Toro, 2001)

46. El Silencio de los Corderos. (Jonathan Demme, 1991)

47. El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos. (Peter Jackson, 2014)

48. Star Wars: Episodio VI – El Retorno del Jedi. (Richard Marquand, 1983)

49. Parque Jurásico. (Steven Spielberg, 19XX)

50. El Gran Lebowski (Ethan y Joel Coen, 1998)

51. Masacre en Texas. (Tobe Hooper, 1973)

52. El Clan. (Pablo Trapero, 2015)

53. Érase una vez en América. (Sergio Leone, 1984)

54. El Violín. (Francisco Vargas, 2005)

55. Ya No Estoy Aquí. (Fernando Frías de la Parra, 2019)

56. Pulp Fiction. (Quentin Tarantino, 1994)

57. Ciudad De Dios. (Fernando Meirelles, 2002)

58. El Padrino II. (Francis Ford Coppola, 1974)

59. Blade Runner. (Ridley Scott, 1982)

60. Ben Hur. (William Wyler, 1959)

61. Orgullo. (Matthew Warchus, 2014)

62. Los Cañones de San Sebastián. (Henri Verneiul, 1968)

63. Juan De Los Muertos. (Alejandro Brugués, 2011)

64. Old Boy. (Chan-Wook Park, 2003)

65. Gladiador. (Ridley Scott, 2000)

66. El Color Purpura. (Steven Spielberg, 1985)

67. Pelotón. (Oliver Stone, 1986)

68. Cara de Guerra. (Stanley Kubrick, 1987)

69. Tres Colores. (Krzysztof Kie´slowki, 1993)

70. REC. (Paco Plaza, 2008)

71. Shrek. (Andrew Adamson, 2001)

72. Drácula de Bram Stoker. (Francis Coppola, 1992)

73. El Proyecto Florida. (Sean Baker, 2018)

74. Filadelfia. (Jonathan Demme, 1993)

75. Billy Elliot. (Stephen Daldry, 2001)

76. El Club de la Lucha. (David Fincher, 1999)

77.Halloween. (John Carpenter, 1978)

78. Vampiros en La Habana. (Juan Padrón, 1987)

79. El Discurso Del Rey. (Tom Hooper, 2011)

80. Santa Sangre. (Alejandro Jodorowky, 1989)

81. M. El Vampiro de Düsseldorf. (Fritz Lang, 1931)

82. Réquiem por un Sueño. (Darren Aronofsky, 2000)

83. Amadeus. (Milos Forman, 1984)

84. Apocalypse Now. (Francis Ford Coppola, 1979)

85. Casablanca. (Michael Curtiz, 1942)

86. Terminator 2. (James Cameron, 1992)

87. Seven (David Fincher, 1995)

88. 8 ½ (Federico Fellini, 1963)

89. El Gran Escape (John Sturges, 1963)

90. Viento Negro. (Servando González, 1965)

91. Los Guerreros. (Walter Hill, 1979)

92. Rebelde sin Causa. (Nicholas Ray, 1955)

93. Petróleo Sangriento. (Paul Thomas Anderson, 2007)

94. Sin Lugar para Débiles. (Ethan y Joel Coen, 2007)

95. Psicópata Americano. (Marry Harron, 2000)

96. El Mago De Oz. (Victor Fleming, 1939)

97. Terciopelo Azul. (David Lynch, 1986)

98. Deseando Amar. (Wor Kar-wai, 2000)

99. El Retorno del Dragón. (Bruce Lee, 1972)

100.                    Él. (Luis Buñuel, 1953)

 

Queridos lectores: una centena de títulos de todos los géneros posibles, para iniciar un maratón. ¿Les agradó? ¿alguna les interesó? ¿Cuál o cuáles quitarían? ¿Alguna que ustedes hubieran considerado? Pendiente de sus comentarios.

 

 

 

 

 

 

 

En la Celebración Negra

 

Por Edgar Fernández Herrera

 

A Alejandra y Enrique, por compartir este momento inolvidable

 

 

Tenía yo como unos ocho u nueve años, cuando escuché por primera vez a Depeche Mode y, desde ese momento hasta la fecha, no he dejado de ponerles atención. Siempre me han sorprendido, pues ya es una banda con un largo andar en la industria musical. En este 2023 publicaron su decimo quinto álbum, titulado “Memento Mori” que, pese a que no está a la altura de obras maestras como “Music for the Masses” o “Violator”, la verdad es que no desmerece en lo absoluto. Es un buen álbum con dos tipos (Dave Gahan y Martin Gore) con todo el andar el mundo y, si no, para muestra escuchen el primer sencillo “Ghost Again”. Con este disco bajo el brazo, la banda de Basildon, Inglaterra, se dio a la tarea de salir de gira para darle promoción a la placa y desempolvar sus grandes hits.

 

México fue considerado para la gira mundial. Al inicio, con una sola fecha: el 21 de septiembre de este año. Está de más decir que los boletos se acabaron en muy poco tiempo. Al ver la demanda, se abrieron dos fechas más. Mi amigo Enrique Martínez fue el que me dio la sorpresa, adquirió tres boletos para: Alejandra (su esposa), para él y otro para mí, y serían para la primera fecha.

 

Está de más decir lo contento que me puse, pero no estaba tan sencilla la situación. Para empezar, el concierto se programó entre semana (vivir en Cancún complica mucho las cosas), pero decidí tranquilizarme y tramitar el permiso que, una vez obtenido, me obligó a buscar vuelo y hospedaje.

 

Por fin jueves 21 de septiembre; mi vuelo salía a las 9:30 A.M., y despegó puntual. Al llegar al AICM, lo primero que hice fue reportarme con Enrique para ponernos de acuerdo en el lugar de encuentro. La cita se acordó a las 16:00 hrs en la puerta 15 del Foro Sol. Me apresuré y alisté para verlos; después de un robo descarado del pinche taxista, por lo que me cobró y el lugar donde me dejó, llegué a la puerta 15, donde ya me esperaban Enrique y Alejandra. Después de los gratos saludos, Enrique nos confesó que nos citó temprano porque antes del concierto estaríamos en una zona VIP Lounge.

 

Todo en aquella zona fue muy agradable, pues nos obsequiaron unos detalles alusivos a Depeche Mode, y disfrutamos de bocadillos y bebidas; después de unas horas nos avisaron que era hora de dirigirse al foro para tomar nuestros lugares.

 

Fue Kelly Lee Owens la encargada de ambientar al respetable y lo hizo muy bien. Buen set y, sobre todo, un sonido muy nítido; estuvo durante treinta minutos. Ahora sí faltaba poco para ver a Depeche Mode.

 

Contrario al dicho “puntual como un inglés”, la banda salió treinta minutos después de la hora programada. Justo a las 21:30 horas los de Basildon tomaron el escenario y empezó a sonar “My Cosmos Is Mine”, canción abridora del nuevo disco. Todos estábamos expectantes, con la emoción al límite, pero debo de aceptar que el inicio fue bastante frío debido a ellos. Continuaron con “Wagging Tongue”, también del nuevo plato; sigo sintiendo un poco frío el ambiente, pero se ve a Gahan con una soltura sobre el escenario envidiable y su voz está fenomenal. Aunque sea lea incongruente, le agradezco a Gahan y Gore que no apelen a su gran pasado y que nos entreguen estos nuevos temas.

 

El foro ahora sí explota, pues la carne ya está en el asador. Comienza a sonar “Walking In Mi Shoes”; la emoción al máximo, que da su lugar a “It’s No Good”. Todos cantando y bailando, a Gahan ya se le ve más suelto y sonriente. De repente, bajan los decibeles con una canción muy tranquila y una gran sorpresa: “Sister Of Night”. del álbum “Ultra”. Esta canción de plano jamás la esperé. Muy agradecido.

 

Después de la soberbia ejecución de “In Your Room”, una de mis favoritas, Depeche nos regaló el gran clásico “Everything Counts”. Nos puso a bailar y cantar; se escuchó soberbia, pero no superó la versión de 101, que es única e irrepetible. El ambiente es inmejorable y la cerveza fluía de manera constante; después sonaron “Precious” (¡asombrosa!) y “Speak To Me”.

 

Llegó el momento en que Martin Gore se apodera del escenario, con su voz, para deleitarnos con la enorme “A Question Of Lust”, contenida en “Black Celebration”, mi álbum favorito, que remató con “Soul With Me”. Gore en plan grande.

 

Después del momento íntimo, sonó “Ghost Again”, el primer sencillo de “Memento Mori”, para pasar con otro gran clásico (una de las canciones mas roqueras de la banda, de un periodo muy fuerte para ellos, sobre todo de Gahan): “I Feel You”, del grandioso “Songs Of Faith And Devotion”. Sonó espectacular, poderosa y hasta furiosa, pareciera que el lugar se iba a caer de tanto éxtasis.

 

Después llegó el momento más emotivo de la noche: Andy Fletcher aparece en las pantallas, en unas fotografías de archivo que, según yo, datan del 1989. Empezó a sonar “World In My Eyes”. Andy quizás no era un musico destacado; sin embargo, es muy querido por todo lo que le aportó a la banda. Desgraciadamente se nos adelantó en mayo del año pasado. Fue un pequeño tributo, pero muy merecido para uno de lo fundadores de la banda; pareciera un momento triste, pero no, al contrario, fue una celebración de la vida de Andy Fletcher.

 

Un par de canciones más: “Stripped” y “John The Revelator” que, a mi gusto, pudo haber quedado afuera y ceder su lugar a otra mejor canción. Pero lo que sigue no tiene paragón: “Enjoy The Silence”, de esa obra maestra “Violator”. Los recuerdos de mi adolescencia pasan por mis ojos, como cuando Silvia me compró mi casete que, desgraciadamente no conservé. Después de ese momento cumbre, la banda se despidió. Nosotros nos quedamos a pedir más y más.

 

Regresaron al escenario y escuchamos unos acordes obscuros; se trata de “Waiting For The Night” (también del “Violator”). Otra gran sorpresa que tampoco pensé escuchar. La melancolía se apodera del Foro Sol, momento sublime; después de esto, retrocedemos 42 años para que escuchemos la pegadiza y bailable “Just Can’t Get Enough”. Dave Gahan nos pidió que lo acompañáramos en el coro. Gritos y baile al máximo. Después se escuchó la guitarra introductoria de “Never Let Me Down Again”. Estuve al borde de las lágrimas, más emocionado que nunca (aunque ya sin voz). Gahan cantó enormemente y la banda ejecutó la canción de forma magistral. Dave retomó lo que inició hace 35 años en su interpretación de esta canción en el Pasadena Rose Bowl. Incitó al público a mover los brazos de derecha a izquierda con el ritmo de la canción. Otro momento cumbre, ¡vaya encore! Empezó a sonar la obscura y blasfema “Personal Jesus”; la guitarra de Gore sonó majestuosa. Desgraciadamente para todos los feligreses, con este tema, la “Celebración Negra” finalizó. Gahan, Gore y la banda se despidieron para ya no volver.

 

La gran ausente de la noche fue “Policy Of Truth”. No puedo creer que no la hayan interpretado. Sí me dolió no haberla escuchado. Tristeza total, a pesar del gran set list.

 

Salimos del Foro Sol y me dan un aventón mis amigos al hotel en el que me hospedé. Tengo unas pocas horas de sueño porque regreso a Cancún en el vuelo de las seis y voy totalmente “muerto”, pero muy contento por haber cumplido uno de mis sueños: ver a Depeche Mode en concierto, un sueño que desde adolescente tenía. Valió la pena la espera.

 

 

 

 

Mina Canta O Brasil

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

Brasil es una tierra de ensueño: carnaval, futbol, amazonas, el Cristo Redentor, la chica de Ipanema, sol, feijoda, caipiriñas, fiesta y música tremendamente seductora. Cariño y entusiasmo desbordan cada una de sus múltiples expresiones culturales. Desde pequeño quedé, literalmente, deslumbrado por decenas y decenas de intérpretes cariocas a lo largo de mi humilde existencia.

 

Al mismo tiempo, gracias al consejo de mi hermano, casi siempre he procurado ampliar mis afinidades con otras producciones y manifestaciones sonoras, algunas de ellas chistosamente opuestas a lo brasilero. Una apunta directamente a Mina Mazzini, la “tigresa de Cremona”.

 

Anna Maria Mazzini, conocida mundialmente como Mina, es una intérprete y actriz italiana nacida en Busto Arsizio, Lombardía, en 1940. Es considerada como una de las más grandes y prestigiosas expositoras de la música mediterránea, con una carrera que abarca más de seis décadas.

 

Con un notable catálogo que sobrepasa los setenta álbumes, Mina nos ha entusiasmado con canciones que incluyen géneros como el pop, la balada, el rock, la música clásica, el jazz, la canción de autor, el bolero, la música disco, el tango y la canción napolitana, entre muchísimos más. En esta ocasión les reseñaré un álbum tremendamente especial: “Mina Canta O Brasil”, pues es un homenaje al Brasil que tanto quiero.

 

Se trata de un elepé en el que la legendaria Mina explora y rinde tributo a la música popular brasileña, un género que siempre ha tenido una gran influencia en su carrera. Es importante señalar que la artista (con mayúsculas) ya había versionado antes canciones en portugués (“A Banda”, de De Hollanda & Amurri, en “Sabato Sera - Studio Uno”, de 1967, pero en italiano).

Con una selección de canciones solícitamente distinguida, Mina demostró, una vez más, su habilidad para adaptarse a diferentes estilos musicales con su incomparable destreza vocal; lo que convirtió a este álbum en una verdadera joya musical.

 

Arreglado y dirigido por Augusto Martelli, “Mina Canta O Brasil” resaltó, además, por otros dos hechos: incluye una versión distinta de “Com açúcar, com afeto” –la primera apareció en “...Bugiardo più che mai... più incosciente che mai...”, el disco anterior de la cantante-, y que muchas de las otras pistas del disco ya habían sido grabadas anteriormente con letra en italiano.

 

Esta sorprendente colección esconde un buen número de himnos brasileños compuestos por Erasmo y Roberto Carlos, Edu Lobo, Baden Powell, Chico Buarque de Hollanda, Jorge Ben Jor, Toquinho, y Vinicius de Moraes, entre otros.

 

Sobresalen “Sentado A Beira Do Caminho” (con la que triunfaron Ornella Vanoni, Roberto Carlos, Raphael, Julio Iglesias, Eydie Gormé, Dimitra Galani y muchos más), “Com açúcar, com afeto” (que Buarque compuso a petición de Nara Leão), “A Banda” (celebrada en voces de Chico, Wilson Simonal y Astrud Gilberto), “Upa Neguinho” (grabada también por la inmortal Elis Regina), y “Canção Latina” (que antes hiciera famosa la mismísima Denisse de Kalafe).

 

Todo el disco es un completo deleite. Uno de los muchos que podemos encontrar en la enormísima discografía de la inigualable Mina Mazzini.

Flash

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

Después de los numerosos filmes sobre superhéroes que aparecieron inicialmente en las historietas, la afirmación de un agotamiento del género a la postre resulta irrefutable, pues el entusiasmo del público y los ingresos en taquilla se derrumbaron con el imparable amontonamiento de películas repletas de clichés, pésimas historias y actuaciones deslucidas.

 

De igual forma, es necesario señalar que fueron las películas del MCU las que generaron un enorme beneficio económico y mediático, deshaciéndose con ello de DC, la distinguible competencia (a pesar de la nada despreciable lista de superhéroes que posee en sus distintos catálogos).

 

Con casi cien años de permanencia en el mercado de las historietas, DC (antes National Allied Publications) nos ha fascinado con relatos que van de lo fantástico a lo hiperrealista, sin omitir el drama, la crítica, el sarcasmo y la denuncia. Son numerosas las historias que nos han regalado artistas del calibre de Frank Miller, Neil Gaiman, George Pérez, Alan Moore, Dan Jurgens, Jim Lee, Alex Ross y Geoff Johns, por mencionar sólo a algunos.

 

Con relación al rubro cinematográfico, debo confesarles que el entusiasmo se esfuma porque, en términos generales, el DC Extended Universe es dolorosamente inconsistente (con la puntual excepción de las películas animadas).

 

Resulta forzoso tener en cuenta que las percepciones sobre el éxito o el fracaso de una franquicia cinematográfica pueden cambiar según las opiniones individuales. Si bien algunos pueden considerar que el DCEU ha tenido dificultades en muchos sentidos, otros pueden tener opiniones diferentes. Dicho esto, aquí hay algunos factores que se han citado como posibles razones para explicar el fracaso del DCEU:

 

El DCEU ha sido objeto de comparaciones constantes con el MCU, que ha tenido un gran éxito tanto en la taquilla como en la crítica. Esta comparación generó altísimas expectativas y, al mismo tiempo, suscitó un considerable escrutinio hacia las películas de DC.

 

En los primeros años del DCEU, hubo cambios en el liderazgo creativo y la falta de una visión clara y coherente para la franquicia. Esto resultó en filmes que no estaban bien conectados entre sí y presentaban tonos y estilos diferentes. Muchos de ellos recibieron críticas mixtas y hubo falta de continuidad narrativa.

 

Algunas de las primeras entregas del DCEU, como “Batman v Superman: Dawn of Justice” y “Suicide Squad”, recibieron críticas mixtas por parte de los críticos y aficionados. Si bien las opiniones de los críticos no siempre determinan el éxito de un filme, éstas pueden influir en la percepción general y en la recaudación en taquilla.

 

El DCEU ha tenido que competir con otras franquicias de superhéroes sumamente exitosas, como el MCU y las últimas entregas de los X Men. Por otra parte, la saturación del mercado de películas de superhéroes pudo mermar el entusiasmo de algunas personas frente al género.

 

Desafortunadamente, numerosas cintas del DCEU han sido impopulares por decisiones creativas, como cambios en la representación de los personajes o desviaciones significativas de la historia y el tono establecidos en los cómics. Estas medidas pudieron desencantar a parte del público objetivo.

 

Fue en este accidentado escenario que llegó “The Flash”, un largometraje que se anunció como el gran emancipador del DCEU, capaz de restituir el interés del público, de generar ingresos millonarios, y de contar buenas historias (como en los cómics). Pero la fatalidad se hizo presente…

 

Desde su aparición en “Batman v Superman: Dawn of Justice” y “Justice League”, Ezra Miller dejó una huella imborrable en el mundo de los superhéroes con su interpretación única y sorprendente de Barry Allen, también conocido como The Flash. Ahora, en su propia película en solitario titulada simplemente “The Flash”, Miller vuelve a llevarnos a un vertiginoso viaje a la velocidad de la luz que es emocionante, entretenido y lleno de sorpresas.

 

Dirigida por el talentoso Andy Muschietti, conocido por su trabajo en las películas de terror “It”, “The Flash” se aleja de la oscuridad y el tono serio de las entregas anteriores del DC y abraza una narrativa más ligera y llena de humor. Esta elección tonal resulta en una cinta que se siente fresca y divertida, sin sacrificar la emoción y la intensidad que esperamos de una aventura de superhéroes.

 

La trama es una montaña rusa de emociones y giros argumentales. Barry Allen se encuentra navegando por el tiempo y el espacio mientras intenta desentrañar los misterios de su pasado y salvar el futuro. En su búsqueda, se encuentra con versiones alternativas de personajes conocidos, interpretados por un talentoso elenco que incluye a Kiersey Clemons como Iris West y a Michael Keaton retomando su papel icónico como Batman. Estas interacciones entre los personajes crean momentos de gran química y dan lugar a algunas de las escenas más memorables de la película.

 

La acción es uno de los puntos fuertes de “The Flash”. Las secuencias de carrera a alta velocidad son visualmente deslumbrantes y capturan perfectamente la sensación de rapidez y adrenalina. Desgraciadamente, no todos los efectos visuales son óptimos, pues algunos de ellos son francamente grotescos o risibles, según se quiera mirar. Estos descuidos no sepultan a la emoción, pero sí restan espectacularidad y realismo. Aun así, Muschietti demuestra su habilidad para crear secuencias de acción emocionantes y coreografiadas con precisión, que mantienen al público al borde de sus asientos en todo momento.

 

El guion equilibra habilidosamente la acción con la exploración de los personajes. A medida que Barry Allen profundiza en su pasado y lucha con las consecuencias de sus decisiones, se nos presenta un héroe con vulnerabilidades y dudas, lo que lo convierte en un personaje más humano y fácil de conectar. Ezra Miller brinda una actuación cautivadora y carismática, que va desde momentos de humor hasta emociones profundas, y demuestra una vez más su habilidad para llevar al público en un viaje emocional.

 

Si bien “The Flash” es una cinta en solitario, también sirve como un homenaje a la rica historia de los cómics de DC y a la cultura pop en general. Los fanáticos encontrarán numerosas referencias y guiños que los harán sonreír y emocionarse. Además, la banda sonora es enérgica y llena de ritmo, complementando perfectamente las escenas de acción y añadiendo una capa adicional de emoción a la película.

 

A pesar de todos los elogios recibidos, “The Flash” se estrelló horrendamente en las salas de cine en todo el mundo. Una lástima o, si se desea hurgar en explicaciones más profundas, una bien ganada consecuencia por tantas disposiciones ejecutivas que simplemente ignoraron el deseo de los consumidores.