Peace And Love

 

Por Edgar Fernández Herrera

 

 

 

Queridos lectores, hoy quiero dar a conocer y darle el valor justo a una de las bandas mexicanas de rock que fueron revolucionarias y que, por desgracia, muy poca gente conoce. A finales de los sesenta y principios de los setenta, era una agrupación sólida y con una reputación muy respetable; tan es así que fueron grandes protagonistas del Festival de Avándaro en 1971.

 

Lejos, pero muy lejos, del rock simplón y hasta tonto de agrupaciones como los Teen Tops, Los Rockin Devils, Hooligans, etc., esta banda de Tijuana venía con un groove de jazz, combinado con una pizca de ácido y psicodelia que le darían un sonido único y que los destacaba de las demás agrupaciones. Su sección de metales era extraordinaria, emparentada con el primer Chicago y con Blood, Sweat & Tears.

 

Peace and Love es un proyecto nacido en la ciudad fronteriza de Tijuana, Baja California, encabezado por los hermanos Ochoa: Ricardo y Ramón. El resto de la agrupación estaba conformado por Felipe Maldonado, Ricardo Ochoa, Juan José Ruiz, Ramón Torres, Eustacio Cosme, José Cuevas, Salomón Elías y Fernando Rivera; juntos crearon verdaderos himnos como “Marihuana”, “Peace and Love” o la sensacional “Sentimiento Latino”, que los jóvenes jipitecas de la época cantaron.

 

Por desgracia, después de Avándaro, la censura y la represión del gobierno ocasionaron un declive en el rock mexicano, y Peace and Love no sería ajeno a esto; ello provocó la desintegración de la banda.

 

El disco que tengo de ellos, llamado “Avándaro/1971”, es una reedición que, a diferencia del original publicado en 1970 por el legendario sello discográfico Cisne Raff, tiene otro orden en las canciones y además incluye como adicional el temazo “Marihuana”. Está de más decir que el elepé original es un verdadero santo grial del rock mexicano y muy difícil de conseguir.

 

La propuesta de la banda es acorde a los tiempos en los que estuvo presente: dignos representantes de la “Onda Chicana”. Sin embargo, a pesar de los años, tiene una propuesta más original y mucho mejor que cualquier banda actual de la escena.

 

Acérquense a “Peace and Love”; les aseguro que lo disfrutarán y conocerán parte de la historia del rock mexicano.

Tired Of Toein' The Line

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

La música siempre sonó en casa gracias a mis padres. Nunca hubo una distinción con relación a los géneros musicales. Casi todo se reprodujo en el arcaico tocadiscos familiar. Con la llegada de los casetes caseros, mi padre comenzó una asombrosa colección de éxitos variados, en los que se hallaban temas disco, rock, reggae, country y hasta de crítica social. Fue así que escuché el gran éxito de Rocky Burnette.

 

“Tired Of Toein' The Line” es una canción interpretada por Burnette, coescrita con Ronald Coleman, exbajista de los Brothers Grim y Everly Brothers. Se trata de una mezcla de rock and roll, con elementos de country rock, new wave y otros géneros. Enérgica y pegadiza, fue una representación por excelencia del resurgimiento del country rock de finales de los 70 y principios de los 80. Se publicó por primera vez en “The Son Of Rock & Roll”, de 1979, y se lanzó como sencillo en el Reino Unido en 1979 y en Estados Unidos en mayo de 1980. La pista gira en torno al deseo de liberarse de las restricciones, las normas convencionales y las expectativas, lo que reflejó la frustración y el anhelo de independencia de su intérprete.

 

La canción se convirtió en la canción más popular de Rocky Burnett y su único sencillo de éxito internacional. Entró en la lista oficial de sencillos del Reino Unido en 1979 y ascendió constantemente a lo largo de 1980, cuando alcanzó finalmente el número ocho en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos. También encabezó las listas en países como Australia y Argentina, y consiguió un éxito respetable en Canadá, Nueva Zelanda y Sudáfrica. Este éxito rivalizó con el de "You're Sixteen" de su padre, Johnny Burnett, en las mismas listas, lo que consolidó aún más la influencia de la canción en la familia Burnett.

Me No Pop I

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

 

Coati Mundi es el nombre artístico del músico y productor estadounidense Andy Hernandez, oriundo de la ciudad de Nueva York. Percusionista y vibráfono, formó parte de bandas como Dr. Buzzard’s Original Savannah Band y Kid Creole & The Coconuts, con las que saltó a la fama en la década de los ochenta. Como solista, su canción “Me No Pop I” se convirtió en un éxito en el Reino Unido. También trabajó como arreglista y compositor, y ocasionalmente hizo cameos en películas como “Who’s That Girl” y algunas de Spike Lee.

 

La canción “Me No Pop I” se lanzó como sencillo en 1981 y se convirtió en un éxito en numerosos mercados europeos. Este fue uno de los pocos éxitos en solitario de Andy Hernandez, fuera de sus colaboraciones con Kid Creole & The Coconuts. El sencillo se lanzó como doble cara A, titulado “Que Pasa/Me No Pop I”, y ambas canciones aparecían en la misma cara de un disco de 12 pulgadas, un formato común en la época, diseñado para maximizar la reproducción de una canción en clubes y en la radio.

 

La rolita en cuestión, fue un afortunado descubrimiento gracias a Kid Creole & The Coconuts y a The Time, bandas que escuchaba gracias a Prince, y que compartían una estética muy similar a la de Coati Mundi. “Que Pasa/Me No Pop I” es una miscelánea de funk, disco y ritmos latinos con una estética new wave propia de la escena neoyorquina de finales de los setenta y comienzos de los ochenta.

 

La canción presentó una base rítmica marcada, con un uso destacado de percusión y metales, y una interpretación vocal con acento caribeño que acentuó su carácter festivo y teatral. La letra, con frases en inglés y español, apeló a un tono irónico y bailable que conectó con el público europeo, donde alcanzó éxito en listas. El sonido reflejó la influencia del universo musical de Kid Creole & The Coconuts, con arreglos elaborados y espíritu tropical urbano.

 

Por otra parte, Coati Mundi llamó muchísimo la atención porque siempre proyectó una imagen extravagante y elegante, con trajes llamativos, colores intensos y accesorios que apelaron al estilo zoot suit y la estética retro tropical asociada al movimiento de Kid Creole. Una rola súper rítmica y bailable. 

Finalmente Ho Conosciuto Il Conte Dracula...

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

 

Mina Mazzini, comúnmente conocida como Mina, es una de las cantantes más influyentes y singulares de la música italiana contemporánea. Dotada de un extraordinario registro vocal y una excepcional libertad interpretativa, revolucionó la música popular mediterránea con su exquisita técnica, su audaz estilo vocal y su fuerte personalidad artística. Su retiro de los escenarios en 1978 no solo consolidó su estatus de leyenda, sino que tampoco disminuyó su influencia cultural.

 

“Ho Conosciuto Il Conte Dracula…” es un álbum extraordinario y audaz en su carrera. Presentado como un trabajo conceptual, es satírico y dramático. Repleto de sonidos experimentales y narrativas oscuras que evocaron musicales y sátiras, “Ho Conosciuto…” presentó a Mina desde una perspectiva lúdica y provocadora, dispuesta a contradecir las tradiciones de la música popular italiana de la época.

 

Seccionado en dos partes tremendamente admirables: clásicos y temas originales, Gino Castaldo, periodista de La Repubblica, destacó que Mina es “una prodigiosa intérprete de los clásicos” y señaló su capacidad para “transformar incluso canciones mediocres en pequeñas obras maestras”. Por otra parte, la revista Panorama lo incluyó entre los diez discos esenciales de la Tigresa de Cremona.

 

Con los clásicos, entre los que se encuentran “My Sharona”, “Eloise”, “You’re So Vain”, “Killing Me Softly With His Song”, “How Deep Is Your Love”, “If You Leave Me Now”, y “Just The Way You Are”, Mina jugó con mucha libertad e imprevisibilidad, recreándolos a su manera. Los temas originales sugirieron la coherencia artística del álbum.

 

El sencillo “Questione Di Feeling”, un dueto con Riccardo Cocciante, también fue un éxito, pues alcanzó el segundo puesto en las listas italianas y se utilizó como tema del programa de televisión “Pentatlon”. El tema lo regrabó muchos años después con Tiziano Ferro para el disco “Todavía”, una colección de temas en español.

 

Con relación a la portada del disco, un artículo especializado afirmó en su momento que la frase del título y la ambientación fotográfica se inspiraron directamente en la novela “Drácula”, de Bram Stoker, donde uno de los personajes femeninos principales es Mina Murray.

 

Un álbum indispensable en cualquier colección de música que se precie de respetable.

A Tua Presença

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

 

Maria Bethânia es una de las grandes voces de la música popular brasileña, reconocida por su intensidad interpretativa y su profunda conexión con la poesía. Nació en Santo Amaro, Bahía, y alcanzó proyección nacional en los años sesenta con el espectáculo Opinião, en pleno auge del tropicalismo. Su obra combina música, literatura y espiritualidad afrobrasileña, con un estilo sobrio y apasionado. Hermana de Caetano Veloso, Bethânia construyó una carrera sólida y personal que ha influido a muchísimas generaciones.

 

Lanzado en 1971, “A Tua Presença” fue el primer álbum que Bethânia grabó para Philips, la discográfica que produjo decenas de discos esenciales dentro del ambiente de la música carioca de aquellos años. Con él, fortaleció su personalidad como intérprete de un repertorio que combinó samba - canção, espiritualidad y preocupaciones filosóficas y culturales. Llegué a este clásico gracias a que ya era fanático de Caetano Veloso.

 

El disco abre con “Janelas Abertas No. 2”, compuesta por Caetano Veloso, una pieza introspectiva que crea de inmediato una atmósfera contemplativa y poética. La voz de Bethânia se percibe enaltecida por la sobriedad de los arreglos, y tanto la letra como la interpretación se convierten en un sello distintivo de toda la obra. “Mas eu prefiro abrir as janelas pra que entrem todos os insetos…” desafía la expectativa de orden, control y limpieza —representada por puertas y muros— y propone, en cambio, una apertura radical al mundo exterior con todas sus imperfecciones y vida imprevisible. Una chingonería de rola.

 

La dimensión espiritual se expresa vívidamente en “Jesús Cristo”, de Roberto y Erasmo Carlos. Bethânia interpreta esta canción popular de fe con una solemnidad casi ritualista, con un estilo vocal único que enfatiza la colectividad y la trascendencia. “Dia 4 De Dezembro”, una de mis favoritas a pesar de lo poco que dura, de Tião Motorista, también refleja esta fusión de elementos religiosos, con referencias a Iansã y Santa Bárbara que vinculan las tradiciones afrobrasileñas con el catolicismo popular, una de las raíces culturales más profundas de la nación sudamericana.

 

En “Mano Caetano”, del maestro Jorge Ben, el contexto histórico se presenta de forma poética y emotiva. La canción celebra el regreso de Caetano Veloso a su patria tras el exilio durante la dictadura militar. Su ritmo de samba - rock crea una atmósfera ligera y alegre, que contrasta con el tono más sombrío de las demás canciones del álbum sin alterar la coherencia general.

 

Esta dimensión política reaparece con mayor sutileza en “Rosa dos Ventos”, del gran Chico Buarque, una de las obras más representativas del disco. Su letra metafórica, rica en imágenes de movimiento y dirección, transmite un mensaje de resistencia y esperanza en una época de censura desenfrenada.

 

La canción que da título al álbum, “A Tua Presença Morena”, escrita por Caetano Veloso, encapsula a la perfección su espíritu. La letra explora el concepto de “existencia” como una fuerza crucial, emocional y casi física, mientras que la interpretación de “La Abeja Reina” amplifica esta intensidad con un tono solemne y contenido.

 

“Se Eu Morresse Amanhã”, de Antônio Maria, es una samba - canção melancólica que devuelve la atención al ámbito íntimo y emocional, y que confirma la capacidad de Bethânia para transitar la fragilidad sin caer en el exceso dramático.

 

La portada presenta un perfil íntimo de Maria en primer plano, mostrado de perfil y en un juego de contrastes de luz y sombra que enfatiza su expresión serena y profunda. La imagen casi monocromática sugiere introspección y presencia, cualidad que se funde con el título del álbum y su repertorio cargado de espiritualidad y poesía visual.

 

Con una abultadísima producción, resulta muy difícil elegir la obra maestra de Maria Bethânia; sin embargo, “A Tua Presença” es, fácilmente, uno de sus mejores cinco trabajos.

Bad Bunny en el Super Bowl LX

Por Edgar Fernández Herrera

 

 

 

El Super Bowl número LX tuvo como protagonistas a los New England Patriots y a los Seattle Seahawks. Las hostilidades se dieron el pasado 08 de febrero en el Levi’s Stadium de Santa Clara, California, casa de los 49ers; pero desde días antes de que se diera la cita para el evento, fue el artista puertorriqueño Bad Bunny quien se erigió como el gran protagonista del Super Bowl, ya que se hizo el anuncio de que él sería quien se encargaría del show de medio tiempo.

 

Con mucho revuelo previo, con comentarios favorables y otros nada favorables (de estos últimos, inclusive desde la Casa Blanca), Bad Bunny no se inmutó y declaró: “No necesitan hablar español, solo bailar”.

 

El día y el momento llegaron, y lo primero que hizo el puertorriqueño al dirigirse a la audiencia del Levi’s Stadium y a los millones de televidentes fue exclamar: “¡Qué rico es ser latino!” y el show empezó. Debo confesar que la música de Bad Bunny no es de mi agrado; no tengo ni idea si lo que interpretó es lo más selecto de su discografía y no es de mi gusto su música por su voz y dicción. No sé si lo hace a propósito para distinguirse de los demás o simplemente él canta así; no es nada entendible, hasta parece que balbucea. Sin embargo, lejos de tomar una actitud retrógrada, me dispuse a verlo y, a mi parecer, fue bastante entretenido; me agradaron sus sets y las coreografías de baile, porque eso sí, Benito cumplió: puso a bailar a todos.

 

El performance no tuvo lo que creo que muchos esperaban: los famosos “Fuck ICE” y las mentadas de madre al presidente de los Estados Unidos. Bad Bunny fue más inteligente, propagó un mensaje de unidad y amor, mostró ese cariño y orgullo de ser latino, además de remarcar un mensaje muy lennoniano: “Lo único más poderoso que el odio es el amor” y, sobre todo, le dejó muy en claro a los Estados Unidos y a su Doctrina Monroe, con un “Dios bendiga a América”, que América no es solamente Estados Unidos; y nombró a todos los países del continente (obviamente sin omitir a los Estados Unidos y a Canadá), en un mensaje de unión y contra la discriminación.

 

También cabe destacar que su actuación y su interacción con el público fueron en español.

 

Nos podrá gustar el género en el que se desempeña Bad Bunny, pero es un artista que vende y vende mucho; debe ser el más popular en el género, mas no el mejor. Para mí, Rosalía y C. Tangana tienen propuestas más interesantes y arriesgadas que el “Conejo Malo”, pero lo que hizo ayer fue muy digno y, sobre todo, enalteció lo latino, en especial a su Puerto Rico.

 

The Best Of Roy Ayers - Love Fantasy

 

Por Oscar Fernández Herrera

 

 

 

Roy Ayers fue un influyente músico, compositor y productor estadounidense, ampliamente reconocido como una figura clave del jazz funk y el soul moderno. Nacido en Los Ángeles en 1940, fue un distinguido vibráfono que impulsó el instrumento a la vanguardia de la música popular afroamericana, pues le imprimió un tono cálido y rítmico.

 

A lo largo de su carrera, especialmente durante su etapa como vocalista principal de Roy Ayers Ubiquity, fusionó jazz, funk, soul y rhythm and blues para dejar clásicos como “Everybody Loves The Sunshine”, uno de los temas más sampleados en la historia del hip hop y el neo soul.

 

Su obra influyó profundamente en artistas y productores posteriores, ya que dejó huella en todo tipo de géneros, desde el acid jazz hasta el rap contemporáneo, lo que consolidó su estatus como pionero e icono cultural. D’Angelo, Erykah Badu, Jill Scott, Common y Maxwell, en el hip hop, y A Tribe Called Quest, De La Soul, J Dilla, Pete Rock, Dr. Dre y Kendrick Lamar, en el rap, lo han sampleado para enriquecer su obra.

 

Conocí a este asombroso artista gracias a Prince, quien expresó admiración por Ayers en distintas entrevistas y compartió con él una visión del funk como espacio de libertad creativa, sensualidad y experimentación espiritual. Es importantísimo recordar que ambos virtuosos otorgaron al ritmo un rol central, integraron el soul y el jazz en estructuras accesibles y defendieron el control artístico sobre su obra.

 

Pese a contar con una sólida producción discográfica, hoy elegí “The Best Of Yoy Ayers – Love Fantasy” para introducirlos a su sorprendente obra. Como cualquier recopilación, resulta ideal para los iniciados, pero se duda de ella por lo incompleta que es. Con todo, creo que es ideal porque esta colección de quince tracks capturó tanto su éxito R&B/Disco como su inclinación hacia el jazz – funk de principios de los setenta.

 

“Love Fantasy” equilibró lo más comercial con lo más artístico, aunque se extrañaron temazos como “Evolution”, “Everytime I See You”, “Africa, Center Of The World”, “2000 Black” y “Shining Symbol”, entre otros tantos. Por otra parte, nos regaló auténticos clásicos como “Love Will Bring Us Back Together”, “Red, Black & Green”, Gotta Find A Lover”, “Running Away”, “We Live In Brooklyn, Baby”, “Everybody Loves The Sunshine” y “Don’t Stop The Feeling”. Una categórica joya musical.

 

Para mí, “Everybody Loves The Sunshine” es una composición prodigiosa. Lanzada en 1976, rápidamente destacó gracias a su fusión de elementos del jazz, soul y funk, con una atmósfera tan serena que despertó en el público diáfanas sensaciones. Todo un clásico atemporal con vibraphone, piano y sintetizador.